Zum Geleit

Liebe Leserinnen und Leser,

wie Sie vielleicht bemerkt haben, hat sich der Inhalt der Nummer 42 unserer Webausgabe seit ihrem erstmaligen Erscheinen Anfang November mehrfach geändert. Eine neue Redakteurin und ein neuer Webmaster mussten sich seit September in ihre Arbeitsbereiche einarbeiten und, wie oft in solchen Fällen, ruckelte es auch hier.
 
Mit dem – ebenfalls neuen – Vereinsvorstand waren wir uns aber einig, dass wir uns von der Praxis lösen wollten, Texte, die bereits online verfügbar waren, mit monatelanger Verzögerung noch einmal gedruckt zu veröffentlichen und so jede neue Zeitung bereits mit dem Erscheinungsdatum zur Makulatur zu degradieren. Die Webzeitung soll vielmehr fortan dazu dienen, das nächste Heft anzukündigen, Themen anzureißen und neugierig zu machen.
 
Wie wir in der Praxis versucht haben, diese Idee umzusetzen, hat uns viel Kritik eingetragen und uns dazu bewogen, diese Webausgabe noch einmal gänzlich zu überarbeiten. Um die widerstreitenden Interessen zu befrieden, lesen Sie in dieser Ausgabe nicht, wie bisher, eine Auswahl an Texten sondern jeweils eine gekürzte Fassung. Dafür werden nun alle auf dem Festival in Preetz gezeigten Stücke besprochen.
 
Im Januar 2016 wird ein Zukunftstreffen des erweiterten Vereinsvorstandes darüber befinden, in welcher Form Website und Zeitschrift weitergeführt werden, damit sie sich sinnvoll ergänzen. Also betrachten Sie diese Webausgabe bitte als das, was sie ist: ein Übergangsphänomen, das nicht mehr ganz der Tradition folgt und noch nicht da angekommen ist, wo sie in Zukunft stehen will.
 
Wir wünschen viel Spaß bei der Lektüre!
 

                                Die Redaktion

 
       Sabine Herder​                     Robert Jährig
             (Print)​                                      (Web)

Die Lichter waren erloschen. Der Vorhang des Vergessens schien für immer gefallen zu sein. Wer in den 70er Jahren des vorigen Jahrhunderts von Papiertheater sprach, stieß weitestgehend auf Unverständnis. Nur bei wenigen alten Leuten kamen Erinnerungen auf. Und die noch viel wenigeren, die sich mit dem Massenmedium des 19. Jahrhunderts beschäftigten – es waren mehr Sammler als Spieler –, glichen der Nadel im Heuhaufen. Wie konnte es da in der Welt von Film und Fernsehen, der zunehmend digitalisierten, von Bildern überfluteten Welt zu einer Wiederbelebung des Papiertheaters kommen? Die Antwort darauf werden letztlich Soziologen, Medien- und Erziehungswissenschaftler geben müssen.

Ich kann nur aus dem subjektiven und vielleicht manchmal als ungerecht empfundenen Blickwinkel des Zeitzeugen berichten. Wer in diesen Zeilen nicht erwähnt wird, möge sich deshalb nicht gekränkt fühlen. Er ist nicht in der Versenkung verschwunden …

Der Begriff Papiertheater ist zunächst besetzt von den aus gedruckten Ausschneidebogen gebauten Figuren und Theatern, die es im 19. Jahrhundert zu einem Massenmedium gemacht haben. Die Entwicklung der Drucktechnik, die höhere Auflagen ermö;glichte, hatte diese Entwicklung wesentlich befördert.

DIE ÜBERRASCHUNG AUF DEM 26. PAPIERTHEATERFESTIVAL IN PREETZ: NORBERT NEUMANN ALS ARCHIVARIUS LINDHORST IN RÖMERS „DAS MAGISCHE THEATER“

Der Terminus ,Kindertheater‘ … schränkt ganz zu Unrecht den Kreis seiner Liebhaber auf Kinder und junge Leute ein – in Wirklichkeit spiegelt es die unersättliche Lust an Spektakel und Bühne, die nach den Napoleonischen Kriegen alle Schichten des Alters und der Gesellschaft erfaßt hatte.“ Diese Richtigstellung veröffentliche Günter Böhmer, Leiter der Puppentheater-Sammlung der Stadt München, bereits in seinem Buch PUPPENTHEATER (1969/1976 München). Und „… eine heimliche Lust des Vaters“ vermutete auch Werner Waldmann (in „Handpuppen, Stabfiguren, Marionetten“, München 1986) in seinem Kapitel zum Papiertheater.

Spiele, Aufführungen mit Figuren und Kulissen aus Papier hat es aber auch vor dieser Zeit gegeben. Belege dafür sind selten, vermutlich auch deshalb, weil die Theater, die in vielen Biografien eine Rolle spielten und offensichtlich aus Papier gefertigt waren, einfach Puppentheater genannt wurden. Zwei Beispiele für das Papiertheater vor dem gedruckten seien hier genannt:

Als Friedrich Schiller noch der kleine Fritz war, wurde er, wahrscheinlich im Herbst 1768, also etwa neunjährig, zum ersten Mal in die Ludwigsburger Oper mitgenommen, berichtet Peter Lahnstein in der Biographie „Schillers Leben“, München 1981. Und Schillers Schwester Christophine Reinwald schreibt in ihren Skizzen „Schillers Jugendjahre“: „Er war ganz Aug und Ohr, bemerkte alles genau und versuchte zu Hause, durch die Bücher, die er zu einem Theater bildete, von Papier Figuren ausschnitt und durch einen Faden geleitet sie ihre Rolle spielen ließ.“ (Zuerst erschienen in: Gosche [Hrsg.]: Archiv für Literaturgeschichte. I. Bd., Leipzig 1875.)

Ein anderes Beispiel haben wir in der National Gallery of Scotland in Edinburgh entdeckt. Horace Walpole (1717–1797), sozusagen der Erfinder der Gothic Novel, des Schauerromans, der Gespenstergeschichte, ließ sich Mitte des 18. Jahrhunderts in Twickenham (heute ein Stadtteil von London) eines der ersten Landhäuser im neugotischen Stil erbauen.
Dorthin lud er mit großem Vergnügen die Schwestern Mary und Agnes Berry ein, um sich von ihnen Papiertheater vorführen zu lassen. In einer Vitrine der National Gallery waren Reste dieser Aufführungen zu sehen: Figuren, zum größten Teil offensichtlich aus Modejournalen ausgeschnitten, und als Kulissen Aquarellzeichnungen mit Motiven der neugotischen Dekoration des Landhauses. Der Sammler dieser Raritäten blieb leider anonym.

Warum gehe ich so weit in die Geschichte des Papiertheaters zurück? Weil ich überzeugt bin, dass es Theaterspiele aus Papier gibt, seit Papier in mitteleuropäischen Haushalten ein gebräuchliches Material ist. Also wohl etwa seit dem 16./17. Jahrhundert. Und weil das Wiederaufleben des Papiertheaters zugleich ein (unbewusster?) Rückgriff auf die Formen des Papiertheaters vor seiner großen Zeit im 19. Jahrhundert ist.

„THE TITAN OF TOY THEATRE“: ROBERT POULTER, 2002 IN PREETZ MIT „THE LOYAL 47“

Meine erste Berührung mit dem Papiertheater, Mitte der 70. Jahre des vergangenen Jahrhunderts, waren Bogen aus dem Verlag Josef Scholz, Mainz. Meine erste Begegnung die Aufführung eines klassischen englischen Papiertheater- Melodrams in London, wo die Tradition des Papiertheaters, wie auch in Dänemark, nie ganz abgebrochen war. Beim 1. Preetzer Papiertheatertreffen 1988 wurden 12 Stücke aufgeführt, davon wurden 8 mit traditionellen Figuren und Dekorationen gespielt. Beim 25. Preetzer Papiertheatertreffen 2012 wurde von den 17 Bühnen nur noch eine einzige mit Ausschneidebogen- Figuren bespielt. Mit seiner neuen Blüte hat sich das Papiertheater kontinuierlich neuen Formen, die häufig den herkömmlichen kleinen Bühnen-Rahmen sprengen, und der Anwendung moderner Techniken geöffnet.

Und es öffnete sich einer breiteren Öffentlichkeit (was ein Indiz für die schwindende gesellschaftliche Bedeutung der Familie sein mag, in deren kleinerem Rahmen das Papiertheater im 19. Jh. seine breiteste Entfaltung entwickelt hatte). Papiertheater wurde, wenn auch noch sehr vereinzelt und ohne großes Echo zum Thema von Museumsausstellungen.
Die soweit mir bekannt erste Ausstellung wurde 1976 im Berliner Museum für Deutsche Volkskunde (heute Museum Europäischer Kulturen) eröffnet. 1981 gab es im Rahmen einer kleinen Ausstellung in der Theatergalerie der Stadt Remscheid unter der Leitung von Dr. Konrad Vanja (damals noch Leiter des Heimatmuseums, später Direktor des oben genannten Berliner Museums) eine „Freischütz“-Aufführung. Ein Zeichen dafür, dass, wenn auch vereinzelt, das Papiertheater noch immer Liebhaber gehabt hatte.

Im gleichen Jahr haben Hildegard Metzsch und ich in Hamburg die m+n-Reprise gegründet, um aus unserem Fundus von Scholz-Bogen Nachdrucke zu vertreiben. Das war aus verlegerischer Sicht zwar ein schlechtes Geschäft, aber ein wunderbarer Weg, um im In- und Ausland Gleichgesinnte zu finden. Es war der Magnet für die Nadeln im Heuhaufen.

Einer dieser Gleichgesinnten war Dr. Hartmut Lange aus Kiel. Der fragte eines Tages: „Könntet ihr euch vorstellen, dass wir in Kiel eine Papiertheater-Ausstellung machen?“ Und ob wir konnten! „Knallrot, Blitzblau und Donnergrün … Papiertheater gibts zu sehn!“
Unter diesem Titel (frei nach dem Reklamespruch des Neuruppiner Bilderbogen-Verlegers Gustav Kühn) wurde am 16. Januar 1983 im historischen Warleberger Hof in Kiel die Ausstellung eröffnet. Die wohl erste Papiertheater-Ausstellung in Norddeutschland.
Bereichert durch Leihgaben anderer Museen wie des Museums für Hamburgische Geschichte und privater Sammler. Und dank der jungen engagierten Kuratorin Dr. Gudrun Siefers-Flägel bis heute für mich die schönste Ausstellung zu unserem Thema. Begleitet wurde die knapp dreimonatige Ausstellung von Vorträgen, Führungen, Bastelnachmittagen für Kinder und neun Aufführungen von Spielern aus dem lokalen Raum. Sie weckte großes Interesse und sollte nicht folgenlos bleiben.

„DON CHICO WILL FLIEGEN“, FACTO TEATRO HEBT 2011 IN PREETZ AB

So wanderte die Ausstellung ganz oder teilweise durch verschiedene Orte Norddeutschlands nach Stade, Schloss Etelsen bei Bremen und bis ins Dumont-Linde-mann-Museum in Düsseldorf. Diese Ausstellung widmete sich ganz dem überlieferten Papiertheater und doch öffnete sie aus meiner Sicht das Tor zu einer neuen Ära des Papiertheaters. Ein bis heute lebendiges und aktives Beispiel dafür ist der damals noch sehr jugendliche Rüdiger Koch, den die Ausstellung so stark inspirierte, dass er bis heute für die Entwicklung des Papiertheaters eine wesentliche Rolle spielt.

Knapp 15 Jahre später, 1997, hatte für mich eines der schönsten Stücke des modernen deutschen Papiertheaters in der Marienkirche zu Barth in Mecklenburg Premiere: „Von den Fischer un siene Fru“.
Basierend auf der ersten Niederschrift des Märchens durch den Maler Philipp Otto Runge in niederdeutscher Mundart hatten Rüdiger und Dorett Koch das Stück für das Papiertheater eingerichtet. Vetter Thomas Hell komponierte dazu eine Musik für Orgel und Blockflöte, die er zusammen mit seinem Bruder Michael Hell spielte. Die Ausstattung für die Drehbühne mit Rundhorizont hatte Birgit Hampel entworfen. Auf der kleinen Bühne wurde die Weite der See gegenwärtig. Bis heute verbindet das Kochsche Papiertheater „Invisius“, nunmehr in Berlin beheimatet, seine zahlreichen Vorstellungen häufig auch mit kleinen Ausstellungen und Workshops.

Zurück in die 80er Jahre: Der große Anklang der Ausstellung ermunterte zu zwei weiteren nun Internationalen Papiertheater-Festivals in Kiel. Anlass waren 1986 das 20. und 1991 das 25. Jubiläum der Theaterfreunde Kiel, deren 1. Vorsitzender Dr. Hartmut Lange war. So beförderte wieder mal das große Theater das kleine.

BEREITS DER DRITTE STREICH VON HAASES PAPIER- THEATER: „VOM ZAUBER DES RHEINS“, PREETZ 2012

1986 titelte die Presse bereits „Von der Klassik bis zur Moderne“. Die Klassik prominent vertreten durch den Nestor des Papiertheaters, den 72-jährigen Londoner George Speaight. Die Moderne gekennzeichnet durch Stücke, die selbst entworfen und gezeichnet sind. In einem unveröffentlichten Manuskript aus den 80er Jahren schrieb Hildegard Metzsch: „Dennoch geschieht etwas auf der Papiertheater-Szene: Es entstehen ,moderne‘ Inszenierungen, die ihren Witz beziehen aus der Ambivalenz von formal Altüberliefertem und neuer, graphisch moderner Ausstattung. So hat Prof. Peter Krope in Kiel ,Peter und der Wolf‘ und Orffs ,Die Kluge‘ mit eigenen Figuren und Dekorationen neu für das Papiertheater eingerichtet. Und an der Kieler Universität hat es – veranstaltet von Peter Horn, Peter Krope und Hartmut Lange ,Projektunterricht am Beispiel des Papiertheaters‘ gegeben (Wintersemester 84/85). Das Ziel des Projekts: Figuren und Kulissen für eine komplette Aufführung herzustellen, die Aufführung zu inszenieren und an der Hochschule und für Schulen vorzuführen. Ausgewählt wurde Brechts ,Dreigroschenoper‘.“

Sie vertrat beim 1. Internationalen Papiertheater-Festival in Kiel unter den 14 Bühnen die Moderne. Ferner und nicht minder auch Heinz und Gerlinde Holland, die mit ihrer Inszenierung deutscher Balladen zu einer Institution werden sollten, Peter Schauerte-Lüke mit selbst entworfenem und gesungenem „Don Giovanni“, Per Brink Abrahamsen, Århus, mit „Orpheus in der Unterwelt“, und Ab Vissers aus Utrecht, der mit „Brave Margot“ (nach einem Chanson von Georges Brassens) derb-satirische Erotik auf die Papiertheater-Bühne brachte.

PAPIERTHEATER – INTERNATIONAL: FACTO TEA- TRO UND BARBARA STEINITZ MIT „BLAUE PFIRSICHE“, PREETZ 2013

Von einer Renaissance wollen wir nicht reden, wollen uns aber darüber freuen, daß die letzten 10 Jahre Papiertheater in Kiel nicht folgenlos geblieben sind …“, schrieb Hartmut Lange im Programm-Vorwort zum 2. Internationalen Papiertheater-Festival 1991. Aus der Fülle von neun Bühnen mit 14 Stücken sollen hier nur die herausgehoben werden, die aus heutiger Sicht einen wesentlichen Beitrag zur Moderne (in der bildenden Kunst würde man inzwischen von der klassischen Moderne sprechen) darstellen. „Grims Papieren Theater“ – Frits Grimmelikhuizen aus dem holländischen Deventer zeichnete und inszenierte „Massel und Schlamassel“, ein Märchen von Nobelpreisträger Isaac B. Singer. Die ergreifende kindhafte Schlichtheit wurde musikalisch begleitet mit Aufnahmen von Giora Feidman, dem „König des Kletzmer“, der heute mit seiner Klarinette alle großen Konzertsäle füllt, und den die meisten von uns bei der Gelegenheit vermutlich zum ersten Mal gehört haben. Grimmel wird einige Jahre später in der Geschichte des Papiertheaters eine bedeutende Rolle spielen.

Svalegangens Dukketeater“ – Per Brink Abrahamsen bearbeitete Tania Blixens Roman „Ehrengard“ für seine professionelle Bühne. Für die traditionalistische dänische Papiertheater-Szene eine mutige Inszenierung. Eine wesentliche Rolle spielten dabei die Bühnenbilder und Figuren der englischen Zeichnerin Dodie Masterman in ihrem neoviktorianischen Stil.
„Theater für Mich“ – Zbigniew Mich aus Warschau und Düsseldorf wagte sich an eine „Hommage an Samuel Beckett“, den lange umstrittenen Vertreter des „Absurden Theaters“ und Nobelpreisträger. Inzwischen hatte das Papiertheater aber auch an anderen Orten neue Liebhaber und Spieler gefunden. 1990 gründeten Helmut Wurz und Dietger Dröse im Hanauer Schloss Phillipsruhe das erste ständige Papiertheater-Museum Deutschlands. Es regte neue Spieler an und wurde zu einem Zentrum des Papiertheaters, in dem 1992 auch der Verein Forum Papiertheater gegründet wurde.

Das 1. Papiertheater-Symposium des Vereins in Berlin wurde 1993 zum Auslöser für jährlich stattfindende Vorstellungen im Märkischen Museum. Beflügelt wurden sie durch den unermüdlichen Enthusiasmus der Kuratorin Bärbel Reißmann und kleiner Bühnen wie des Hoffmannschen Papiertheaters oder Regine Mahlers „Berliner Papiertheater“. Heute sind Papiertheater-Vorführungen selbstverständlicher Bestandteil der Programmhefte der Stiftung Stadtmuseum Berlin. „Es ist nichts, nur Papier, und doch ist es die ganze Welt“, dieses Zitat des dänischen Schriftstellers Peter Høeg wurde 1998 zum Motto der großen Ausstellung der Sammlung Schenstrøm (er war der Sohn des Pat vom Komikerduo Pat und Patachon) im Landesmuseum Oldenburg. Von ihr ist uns eine kleine aber feine Dauerausstellung erhalten geblieben.

EIN BISSCHEN EROTIK IN „EHRENGARD“, SVALEGANGENS DUKKETEATER, PREETZ 2006

In der Papiertheater-Ausstellung 2000 im Lübecker St. Annen Museum wurden wohl erstmalig auch Zeugnisse des modernen Papiertheaters gezeigt. Das Germanische National Museum, Nürnberg, eröffnete 2002 zu seinem 150-jährigen Jubiläum seine Schausammlung „Spielwelten“ neu. Darin fand auch die bekannte Wiener Papiertheatersammlung von Heino Seitler einen dauerhaften Platz.

Bereits 1988 hatte ein kleiner Kreis um Dirk Reimers das 1. Preetzer Papiertheatertreffen veranstaltet. Aus diesem lokalen Ereignis der Kleinstadt unweit Kiels wurde jedes Jahr für drei Tage die „Welthauptstadt des Papiertheaters“, so offizielle Vertreter der Stadt und des Landes Schleswig-Holstein in ihren Ansprachen. Bereits das 2. Treffen wurde formell zu einer Veranstaltung der Volkshochschule.

Die ersten ausländischen Bühnen kamen aus Dänemark und den Niederlanden. Sie pflegten – insbesondere die Dänen, aber auch viele deutsche und englische Spieler – das traditionelle Papiertheater. Die Szene entdeckte und belebte das fast vergessene Alte wieder und regte zu Neuem an – die Renaissance des Papiertheaters. 1995 schrieb Frits Grimmelikhuizen: „Als ich in diesem Jahr wieder nach Preetz kam, war ich erstaunt. Das Preetzer Papiertheatertreffen war ,auf einmal‘ professionell geworden, es war ein richtiges ,erwachsenes‘ Festival geworden. Fanfaren und Komplimente für die Organisation!!!“ Daran war Grimmel maßgeblich beteiligt: Beim Treffen 1993 bekamen wir bereits seine ersten Kandinsky-Experimente mit Grimmels Kompositionen elektronischer Musik zu sehen und zu hören.

1995 erlebten wir dann in Preetz die Welturaufführung von „Variationen über Kandinsky – Ballettkomposition für Formen und Farben inspiriert von Arbeiten und Ideen von Wassily Kandinsky“. Der folgten 2187 Vorstellungen in fast allen Ländern Europas und in den USA. Ein einmaliger Rekord – nicht nur für das Papiertheater. Zur gleichen Zeit, zum Hindemith-Jahr 1995, ereignete sich im Hanauer Papiertheater-Museum eine für die Renaissance des Papiertheaters kaum weniger wichtige Premiere. Der Kunstpädagoge Helmut Wurz richtete den Einakter „Das Nusch-Nuschi“, die früher einmal skandalumwitterte „Jugendsünde“ Paul Hindemiths, für das Papiertheater ein. Über viele Jahre d e r Erfolg des Hanauer Papiertheaters.

Zwischenspiel: Mit einem lachenden und einem weinenden Auge kämpft sich der Chronist durch die Papierberge von Programmzetteln, Dokumentationen und Zeitschriften der letzten rund 40 Jahre Papiertheatergeschichte. Lachend ob der wunderbaren Erinnerungen; weinend ob der unendlich vielen Aufführungen, die hier nicht Platz finden – wie die meistens köstlichen traditionellen Aufführungen von „Pollidors Papiertheater“; die dank der Textildesignerin Inge Severin in ausdrucksvollen Farben leuchtenden Stücke des Papiertheaters „Severinus“ (wie gerne möchte ich noch einmal die verjazzte „Carmen“ hören und sehen … oder mit Frank Buttlers Münchner im Himmel sein) und, und, und … Aber in dieser Chronik ist nun mal kein Platz für alle. Es gilt Meilensteine zu setzen für die Entwicklung des Papiertheaters.

JOE GLADWIN UND HELEN PORTER ZEIGEN IHR KOMÖDIANTISCHES TALENT IN „BLUEBEARD“, PREETZ 2005

Und im gleichen Jahr – erst im Rückblick wird deutlich, wie entscheidend 1995 für die Renaissance des Papiertheaters und das Preetzer Treffen war – baute erstmals der „Titan of Toy Theatre“ seine unscheinbare kleine schwarze Bühne in Preetz auf. „Robert Poulter‘s New Model Theatre“ aus dem englischen Ramsgate stellte sich mit drei Einaktern vor. So unscheinbar Poulters Theater war – vom Proszenium und Schiebevorhang bis zum Bühnenboden schwarz – so groß die Aufmerksamkeit, die er erweckte. Manche seiner Bühnenöffnungen kaum größer als eine Postkarte.

Der Bühnenboden aus Leisten, die auf ein Bodenbrett geklebt Fugen bilden, in denen Figuren und Kulissen an Pappsteifen geführt werden. Der Hintergrund – auf Englisch ein Revolving Background – ein manchmal mehrere Meter langer Papierstreifen, auf den zum Beispiel eine Landschaft gemalt ist und der von einer senkrechten Rolle auf der einen Seite auf eine andere Rolle an der anderen Bühnenseite gewickelt wird und so den Eindruck der Bewegung vor einer sich wandelnden Szenerie vermittelt. Techniken, die Poulter nicht erfunden, aber wieder in Erinnerung gebracht hat. In der Papiertheater-Szene aber geradezu einmalig seine rasante, expressive Kunst des Zeichnens und Inszenierens. Mit wenigen Strichen entsteht ein auf der Bühne überzeugender Charakter. Und davon für jedes Stück eine Fülle. Bis zu den 357 Figuren für seinen „Pizzaro“.

Robert Poulters Stücke sind von der Idee, Recherche, Gestaltung, Inszenierung bis zur Aufführung komplett sein Werk – Gesamtkunstwerk nennt er es selbst. Seine Themen sucht er im weitesten Sinne im Bereich der Kunst. Nur einige wenige Beispiele aus dem umfangreichen Repertoire: „Merry Margate“ schildert das künstlerische und gesellschaftliche Treiben der letzten 250 Jahre in dem Seebad; „Mr. Turner gets steamed up“ ist ein Stück Biographie des großen Malers; „This I“ ein Stück Biographie des Ende des 19. Jh. in England berühmten Theatermenschen Henry Irving; und „Black Eyed Susan“ die Reprise eines einstmals beliebten Melodrams.

Einiges war anders, aber alles ebenso schön wie immer.
von Uwe Warrach                                      
Petrus fiel es erst am Sonnabend ein, dass zum Preetzer Papiertheatertreffen gutes Wetter gehört, im Laufe der Sonntagnacht vergaß er es wieder. Das soll hoffentlich nicht wieder vorkommen. Sonntagfrüh gegen 7 Uhr wurden einige von uns, die im Hotel Schellhorn schliefen, durch Gewehrschüsse geweckt. Das soll bisher nicht vorgekommen sein. Aber der Freude an unserem Festival tat all das keinen Abbruch.                                                  
Es gab fünf Debüts, die alle viel Zuspruch fanden. Und zwei neue Spielstätten wurden aufgetan: sehr reizend das Ladengeschäft der Goldschmiede, das mit seinen funkelnden Vitrinen dem „Hokusai Museum“ von Römers Privattheater einen adäquaten Rahmen bot. Über die neu erschlossene Kammer im Erdgeschoß des Schulgebäudes zeigte sich Robert Poulter not amused, doch war die Örtlichkeit der Größe seiner Bühne nicht ganz unangemessen, und Robert ist ein bescheidener Mensch.           
Wir haben es bisher zwar nicht unterlassen, aber wir möchten diese Ausgabe nutzen, um zwei besonders dienstbare Geister besonders auszuzeichnen: den Hausmeister Peter Kock und den Koch Erich Hansen. Da ein guter Hausmeister die Seele eines Betriebs darstellt und Essen und Trinken Leib und Seele zusammenhalten, sind beide nicht weniger entbehrlich für das Gelingen des Ganzen wie die Vorführungen.              
Nicht unerwähnt soll bleiben die wie immer hervorragende Organisation, und das um so mehr, als Marlis Sennewald in der Vorbereitungszeit gehandi- oder besser: gelegicapt war. Auch wollen wir Dirk Reimers’ liebenswürdig geknurrte Begrüßung nicht übergehen, denn sich jedes Jahr für dasselbe Thema immer Neues einfallen zu lassen ist auch nicht einfacher als ein Stück zu schreiben.            
Zu den einzelnen Aufführungen äußern sich Olaf Christensen, Sabine Herder, Brigitte Lehnberg, Sarah Peasgood, Horst Römer, Jens Schröder, und Uwe Warrach.

Meklenborg Dukketeater, Baldur Skygge/The Blue Fox
Søren Mortensen und Marie Thodberg, Dänemark

Ein Mann auf Fuchsjagd. Ich bin sofort eingefangen von den Bildern isländischer Landschaft, die ich erst vor einigen Wochen im Original gesehen habe. In der kargen, lebensfeindlichen Natur voll spröder Schönheit steht da ein Fuchs, in der „schwarzbraunen Farbe der vulkanischen Erde“, mystisch wie das Land, und sieht uns argwöhnisch an.
Wechsel: zunächst überraschend: Ein Mann sitzt an einem Schreibtisch, uns den Rücken zukehrend, schreibt mit deutlich hörbar kratzender Feder, spricht dazu den Text seines Briefes. So beginnt die Geschichte erzählend. Er muss ausholen, weil sie nicht ganz unkompliziert ist, doch mir wurde es nicht zu lang, vielleicht, weil der ganze Ton stimmt, die Bilder faszinieren, und weil man spürt, dass es eigentlich eine schlimme Geschichte werden wird.
Es geht um Aberglauben, Bigotterie, Schuld und Sühne. Am Ende sind wir wieder am Anfang, jetzt wird der Fuchs totgeschossen, doch den rächt die Natur mit einem Erdbeben, unter dem der Jäger begraben wird.
Die eindringlichen Bilder hat Simon Eskildsen gemalt, der deutsche und englische Text wird von dänischen Schauspielern gesprochen. Das Meklenborg Dukketeater, trat zum ersten Mal in Preetz auf. Man möchte es gerne wiedersehen.
Uwe Warrach

Robert Poulter’s New Model Theatre, The Descent
Robert Poulter, Großbritannien

Well, as always I was not to be disappointed with Robert’s new play “The Descent”. A shorter presentation than usual but the 22 minutes however was packed with the inevitable and seemingly impossible constantly moving figures against a skilfully manipulated vertical moving backdrop.
A swine being the central ‘character’, having dashed off into the entrance of a mine shaft led us through a variety of depths and scenes as he was chased by his master.
A first for Robert was his ‘bi-lingual’ narration which added extra intrigue as I waited to hear which words had been carefully selected to repeat in German – a clever idea which had practical motive I am sure but also for me added extra drama and indeed humour to the theatrics of the characters. The atmospheric quirky ‘jazz-like’ soundtrack suited the rather surreal simplicity of observing a pig travelling down into the centre of the earth for 22 minutes as he made acquaintancies ranging from the Devil to the Ferry man or ‘Grim Reaper’.(a rather super line when the master discovers his pig on the Ferryman’s boat: “you’ve got my pig!”... “I know he won’t leave me alone”)
A favourite moment for me was when we were introduced to a stereotypical white coated mad scientist surprised when his ‘monster’ rose from the bench said “how can this be – you have no heart?” with the monster replying “more heart than you” and with that he escaped with the pig. The swine reunited with his master having travelled through the entire diameter of the earth found themselves alongside an upside down Aussie shouting “welcome to Australia!” which was delivered in a delightful Australian/Anglo/Deutsch accent!!
Sarah Peasgood

Zusammenfassung
Robert Poulters The Descent (in diesem Fall wohl am besten übersetzt mit „Grubenfahrt“) war mit 22 Minuten kürzer als üblich, aber ebenso vollgepackt mit sich dynamisch bewegten Figuren wie immer.
Seine Geschichte erzählt von einem Schwein, das auf der Flucht vor seinem Halter in einen Minenschacht gerät, von dort aus in immer größere Tiefen gerät und auf seiner Reise durch den Mittelpunkt der Erde verschiedenen Gestalten wie dem Teufel, einem verrückten Wissenschaftler oder dem Bootmann Charon begegnet.
Neu ist, dass Robert deutsche Begriffe in seinen englischen Text einbindet, die der gruseligen Handlung einen komischen Aspekt hinzufügen. Ein schräger Soundtrack begleitet die seltsam surreale Geschichte adäquat. Am Ende ihrer Reise kommen Schwein und Halter bei unseren Antipoden an, wo sie mit einem in charmantem Englisch-Australisch-Deutschen Akzent gesprochenen „Willkommen in Australien!“ begrüßt werden.

Papiertheater Fabula, Kalif Storch
Brigitte Lehnberg und Susanne Schuchardt, Braunschweig

Die beiden Newcomerinnen Susanne Schuchardt und Brigitte Lehnberg bringen in Preetz das bekannte Märchen von dem Kalifen und seinem Großwesir, die sich in Störche verwandeln und erst durch einen Zauberspruch in ihre menschliche Gestalt zurückfinden. Dies geschieht auf der sehr traditionellen Bühne in einer Weise, die auch in 40 Minuten keinen Moment langweilig wird.
Anmutige Kulissen, flotte Szenenwechsel, witzige Einfälle – auch musikalischer Art – und überzeugende Figurinenführung bringen die Handlung voran, der man mühelos und angeregt folgt, die Kinder sogar gebannt. Gut vorstellbar, dass sie es nun selbst gerne nachspielen möchten. Es gab zwar den Einwand (Erwachsener), zwei Sprecherinnen sollten vielleicht nicht gerade ein Stück auswählen, das überwiegend Männerrollen bietet, doch Susanne Schuchardt und Brigitte Lehnberg treffen den vertrauten Ton, wie wenn Großmutter ein Märchen erzählt und dann natürlich auch den Bösen Wolf zur Sprache bringen muss.
Uwe Warrach


Puppet Theater Arima, Erotokritos
Costas Zaimakis und Damiet van Dalsum, Griechenland

Vielleicht lässt sich Costas Zaimakis aus Griechenland, der zum ersten Mal in Preetz auftrat, beschreiben als Moritatensänger, der an Stelle der Bildtafeln und des obligatorischen Zeigestocks das Papiertheater zur Illustration seiner Geschichten nutzt. Der stimmungsvolle, gekonnte Gesang zur Gitarre verzauberte und war wesentlicher Bestandteil der Aufführung.
Zaimakis verlegt die im antiken Athen spielende Liebesgeschichte zwischen Aretousa, Tochter des Athener Königs Herakles, und Erotoktitos, Sohn des Beraters ebendieses Königs, in das Mittelalter: Wir sehen Thronsäle, Bälle am Hofe, Minnegesang und werden Zeuge eines Ritterturnieres. Führt Zaimakis seine Figuren überwiegend von der Seite, so erfolgt bei diesem Turnier die lebhafte Figurenführung von oben. Auch der Spieler selbst erscheint ab und an über seinem Theater.
Lobend zu erwähnen ist noch die Unterstützung durch Damiet van Dalsum; keine permanente und somit nicht wörtliche Übersetzung des Dargebotenen, sondern eine an den wichtigsten Stellen dezent eingesetzte Kommentierung des Geschehens.
Über ein Wiedersehen mit dem Puppet Theater Arima würde sicher nicht nur ich mich freuen!
Jens Schröder

Haases Papiertheater,
James Honk jagt Dr. Kamishibai
Martin und Sieglinde Haase, Remscheid

Am Anfang war eine Internet-Anfrage auf Google...
Auf den Suchbegriff „PAPIERTHEATER“ tauchten -zig Einträge zum Thema „KAMISHIBAI“ auf. Ein Missverständnis, wie Haases gleich zu Beginn der Aufführung deutlich machen. Handelt es sich doch um japanisches Erzähltheater, bei dem die Erzählhandlung, illustriert mit gemalten Bildern, optisch nachvollzogen werden kann. Allerdings zweidimensional und ohne Bewegung.
Was würde passieren, so fragten sich Haases, wenn nun ein entsprechend technisch versierter Kamishibai-Erzähler sich der dreidimensionalen Bilder ‚unserer’ 3-D-Papiertheater-Welt bemächtigen würde?
Alles würde flach werden. Licht, Bewegung, Tiefe und vor allem Räumlichkeit würden verschwinden. Um das zu verhindern gibt es nur einen Helden: James Honk. Und der tritt dann auch zum Beweis seiner Heldenqualitäten sofort mit einer spektakulären Fahrt im legendären Aston Martin DB5 in Aktion. Nach rasanter Verfolgungsfahrt stürzt der von einem Hubschrauber beschossene Wagen über die mit räumlicher Tiefe bestens versehenen Klippen, um dann im für Actionfilme typischen Feuerball zu explodieren. Nach dem perfekten Knalleffekt gleich zu Anfang des Stücks geht es sofort weiter mit dem für James-Bond-Filme typischen Vorspann aus Schattenrissen. Was hier so actionreich und rasant beginnt, zieht sich durchs gesamte Stück. Es würde den Rahmen sprengen aufzuzählen, was alles passiert. Wie James Honk Dr. Kamishibai, so jagen sich hier spektakulären Spezialeffekte. Besonders eindrucksvoll aber ist die Verwandlung vom Dreidimensionalem in das flache Zweidimensionale gelungen. Selbst Umbaupausen unterbrechen den rasanten Spielverlauf nicht. Der mit verteilten Rollen gesprochene Text hält die Spannung und die Zuschauer weiter am Ball. Dabei sind die Dialoge voller Anspielungen und Wortwitz.
Olaf Christensen


Théàtre de table, Île au trésor
Eric Poirier, Frankreich

Eric Poirier kehrte in diesem Jahr zur der von ihm bekannten offenen Spielweise mit direkt auf dem Spieltisch bewegten Figuren zurück. Eine Piratenflagge und die links und rechts von der Spielfläche montierten Backbord- (rot) Steuerbord- (grün) Leuchten machten deutlich, dass die Seefahrt ein wichtiges Element der zu erwartenden Darbietung sein würde.
Beim Betreten des Raumes sah man zentral unter einem aus groben Ästen zusammen gezimmerten Galgen ein relativ kleines Papiertheaterchen. Sollten die Zuschauer befürchten, die folgende Aufführung würde auf dieser kleinen Bühne stattfinden, so nimmt Ihnen Poirier diese Sorge gleich zu Beginn, indem er das Theater in hohem Bogen von der Spielfläche fliegen lässt und eine große Kiste auf den Spieltisch stellt.
Die Handlung um den legendären Schatz des Captain Flint, um Jim Hawkins, Long John Silver, Doktor Livesey und all die anderen Romanfiguren ist hinlänglich bekannt, die Gestaltung der vertrauten Jugendbuch-Helden durch Eric Poirier war jedoch wiederum sehr außergewöhnlich und lohnte in jedem Fall ein detailliertes Betrachten der Figuren aus der Nähe nach dieser unterhaltsamen, lebhaften und wirklich gelungenen Vorstellung.
Jens Schröder


Papiertheater Heringsdorf, SOS Italia
Robert Jährig, Heringsdorf



Mutig inszeniert und spielt Robert Jährig mit seinem Papiertheater Heringsdorf „SOS Italia“, ein Stück, dem eine historisch verbriefte Tragödie zugrunde liegt. 1928 sollte General Umberto Nobile zum Ruhme Italiens und zur Erweiterung der wissenschaftlichen Kenntnisse mit dem Luftschiff „Italia“ den Nordpol überfliegen. Nach dem Überflug stürzte das Luftschiff in der Nähe der Insel Foyn ab; von der Besatzung überlebten auf einer Eisscholle neun Mann und der Hund des Generals. An der schon bald gestarteten internationalen Such- und Rettungsaktion, beteiligten sich nicht nur verschiedene Staaten, sondern auch verfeindete politische Systeme. Durch das relativ neue Medium des Funks gelang es, Verbindung zu den Schiffbrüchigen herzustellen und, nach einigen Schwierigkeiten, die Überlebenden zu retten.
Der Originaltitel des vermutlich ältesten erhaltenen deutschsprachigen Hörspiels „SOS ... rao rao ... Foyn – ,Krassin' rettet ,Italia'“ nimmt Bezug auf den verstümmelten Funkspruch, der als erstes in der Sowjetunion aufgefangen wurde. Dieses Hörspiel bildet – in leicht bearbeiteter Form – die akustische Grundlage von Robert Jährigs Stück, das er mit – ebenfalls leicht bearbeiteten – Original-Kulissen von Jacobsen & Co. ausgestattet hat.
Als Fan alter Grammophonaufnahmen und Hörspiele hat mir das Stück allerdings sehr gut gefallen – gerade weil es etwas Besonderes ist.
Olaf Christensen

Paperplays, The Tinderbox or The Magic Mobile
Joe Gladwin, Großbritannien


A super surprise to see Joe present us with a new stage, proscenium and large dynamic jointed paper figures operated from above and in a vibrant, modern design. Also a refreshing idea to adapt the classic “Tinderbox” story to a 21st century narrative and of course delivered in Joe’s inimitable performance style, giving the large hanging figures energy and full characterisation.